Turistas de bellas artes:

Como veo que no queda muy claro lo que es la belleza; os pondre los parámetros que usó Kant para subjetivar lo bello. y san-se-acabó de discutir sobre ello.

Para Kant es bello todo aquello que:

1 satisface desinteresadamente. produce placer independientemente de su rentabilidad.

2 lo que gusta universalmente sin concepto. aunque nos pone de acuerdo, no podemos explicarlo mediante el entendimiento.

3 todo aquello que es la forma de la finalidad de un objeto, en tanto que percibida en este sin representacion de un fin. Traduzco: la finalidad del arte no es proporcionar placer o ser agradable, aunque lo produzca o lo sea, ni la de ser util para nada ni nadie, aunque alguien pueda utilizarlo (ver los ready-mades de Duchamp con los cuadros de Rembrandt)

4 todo aquello que se reconoce , sin concepto, como objeto de una satisfaccion necesaria. Traduzco: todo aquello que revela un orden u organizacion, una construccion que sin embargo no significa nada, no dice nada conceptual, no transporta una verdad demostrable.

Vale, ahora que sabemos lo que es bello guardemos nuestras energias bloggeras para dejar de discutir sobre la belleza y comenzar por otras categorias esteticas, nos falta hablar de lo sublime de lo siniestro y de lo indecible......

hjhibuhibui

iujipnnu

¿Qué criterios hay que seguir para saber que una obra es bella o no?

Desde los griegos y durante más de dos milenios, la belleza fue característica principal de una obra de arte.

Entonces ¿la belleza está en crisis, ha perdido su sentido?

La belleza es una sensación que experimentamos individualmente, algo intuitivo, que no responde a razonamiento.

La belleza surge en el acto de creación o en el momento en el que se admira.

Nosotros iniciamos belleza en la forma de nuestra figura, pero necesita de nuestras sensaciones estéticas, subjetivas y de nuestros sentimientos, pues sino, se quedará sólo en forma.

Su realización también depende, del criterio de cada artista tenga establecido por bello (el cual está influenciado por su contexto sociocultural y temporal), y este será su juicio estético.

Una obra será apreciada en función del diálogo entre la obra de arte y el hombre que emite el juicio estético, que será el que le diga si es bella o no.

Jassans

Jassans deia, “l’estil equival a dir cosa catalogada i catalogar és matar. La cosa viva, com ho ha de ser tota obra artística, escapa a tot estil, a tota manera de fer, a tota catalogació” i és cert perquè en el moment que cataloguem, és a dir, donem nom i aparença a la figura, estem destruint i falsejant l’esperit d’aquesta. Quartem la llibertat de la pròpia obra al trobar-li un cànon amb qui agafar-se de la mà.
Realment a mi del que em parlen les obres de Jassans és de l’esperit de cada un dels personatges, de l’acostament cap a aquests a través del modelat dels materials. M’ha passat que les obres d’infants les he trobat plenes d’energia i molt entranyables. Representa la realitat de la innocència del propi infant a través d’un marbre o una fusta, materials en si mateixos d’una gran grandesa.

De fet jo no el vaig conèixer però al veure les figures tinc una lleugera percepció de la manera que tenia d’entendre la forma i això em porta una mica més a comprendre la seva forma de fer i algo de la seva forma de ser, ja que la nostra obra parla de nosaltres mateixos.

Steve Gibson

Realitat actual

Actualment on l’abstracció és l’obra més comuna dels museus contemporanis i de les exposicions d’art modern, Gibson aposta per una obra clàssica, duta mitjançant dos factors claus, a una obra carismàtica.

Ha aconseguit amb els medis emprats, cartró, resines, acrílic, una aobra d’excepcional presició figurativa i volumètrica. Donant un càracter si més no, reciclable, fràgil, i lleuger.
Tanmateix, no ha estat aquest el càracter que més m’ha captivat de les seves figures.
M’ha atret amb tot allò que no ha explicat de les seves figures.
Aquestes van molt més enllà de "l'aparent". Són instantànies d'éssers carregats d'inquietuds psicològiques, on elements oposats com el terrenal i l'immortal, el mític i l'humà, s'enfronten o atreuen, despullant finalment la figura de qualsevol component plàstic que pugui distreure a l'espectador.

Jassans

Jassans tenia un profund sentiment d’arrelament a la seva terra. Terra que té la llum i duresa de Grècia. És del fons més pregon d’aquesta terra que l’artista n’extreu les seves figures femenines.
Sap que aquest vincle amb el solar natal és definitiu per a l’home perquè aquí l’home, es retroba veritablement, amb tota la plenitud i alhora amb tota la tràgica misèria. I Jassans, l’exercici humil de descendir als orígens per mesurar-se i, en última instància, per crear, l’efectua constantment. I no hi perd res, ben al contrari: gràcies al fet de fonamentar-se en el seu propi terreny en pot obtenir el guany del seu art, per damunt de tot i contra tot.

SOBRE LA IMITACIÓN DE LA NATURALEZA

Cuando pense un poco sobre este tema en mi mente se cruzo la idea, muy frecuente, de distinguir diversas categorias, en concreto tres y a mi modo de ver, también tres niveles de dificultat. No distraerse ni malinterpretar, espero que de ellas hagais una corracta interpretación restringiendos a la disciplina de la mera imitación como medio de aprendizage.
La primera de las categorias englobaria objetos inanimados, en la cual la dificultat residiria en ajustar las medidas de aquello que ve e intentar reproducirlo sin más.
En la segunda, encontrariamos la imitación de la naturaleza viva donde se deberia uno esforzar en dejar patente ese punto "vital".
Por ultimo, estaria la imitación de la figura humana donde se deberia impregnar la pieza de algun tipo de alma.

"Si veo una piedra, solo veo una piedra e incluso puede que le de una patada ; si veo un perro, veo un ser vivo o un animal sin más; y si veo un humano, veo a una persona, y aunque no se tenga en cuenta muy a menudo, un alma acechada por el tormento."

CONSTRUCCIÓN DE LA FIGURA

Bajo los parametros de la experiencia personal, puedo decir que la construcción de la pieza supone una lucha contra el material en forma de esfuerzo físico e intelectual. Sus grandes medidas y la materialidad del soporte, conllevan grandes esfuerzos a la hora de corregir y trasladar. Es un constante choque entre referente y obra. Aún así, el deseo es trangredir el material y conseguir que esa masa de barro, por sus formas, aparente la agilidad de la figura humana. Que pierda toda pesadez, a través de su grácil morfologia e incluso de la sensación de que en qualquier momento va a descansar de la positura. Como siempre nos han enseñado, la materia ni se crea ni desaparece sino que se transforma y con ello produce energia, en este caso energia figurativa.

pensando en que es para mi el modelado

hola compañeros de escultura,
os habeis preguntado alguna vez quien limpia las esculturas que se encuentran en los espacios publicos?
si midiesemos la artisticidad en las veces que la mano del artita recorre la escultura modelandola,
¿serian ellos mas artistas que el propio artista?
¿o es que los guantes de goma iniven la sesibilidad?

he encontrado una artista que se ve que es un poco obsesiva y limpia sus esculturas cada semana, en esta pagina la podeis ver haciendolo,

pd: el video ademas que no tiene desperdicio, un monton de gente que se junta para sacarles brillo, es que no tendran otra cosa que hacer?

El explicar lo que es el modelado para mí...

Creo que podría decir, que mi explicación se basa en la propia experiencia con mi propia obra.

El modelado, es el reflejar lo que vemos. El como comprendemos las formas. Y eso tiene mucho que ver con nuestro interior y como cada uno percibe su propia realidad.

Es un proceso, en el que participan las acciones de todo tipo, de clasificar, ordenar, entender, relacionar, sentir, relajarte, concentración... Por lo cual, es un proceso muy complicado. En el que, tendemos a equivocarnos. Nos adentramos tanto a la figura, que al querer reflejar lo que vemos, no mantenemos las distancias necesarias.

Por experiencia propia, cada día que he pasado modelando. Le encuentras más sentido a lo que ves. Y en las formas que antes sólo veías bultos, comienzan a tener coherencia.

En resumen, experiencia muy gratificante.

VACIO

¿Cómo describir la sensación de vació? ¿Cómo entenderla? ¿Por qué esa sensación? ¿Cómo describir la ausencia de alguien o de uno mismo? ¿Cómo expresar la muerte de un amigo? ¿O de un hijo? ¿O de un padre o una madre? ¿Cómo expresar el vació que deja esa persona en tu ser? ¿Porque entender??

Con mi pieza pretendo, intentar expresar esas sensaciones, esas cuestiones.
Describir un vació que crece en las entrañas y que se extiende por el pecho llegándote hasta lo mas profundo de ser, dejándote una herida que queda marcada de porvida.
Esa sensación de incomprensión de desesperación por entender, por intentar llenar un vació de incomprensión y desesperación.
¿Quién no ha sentido en algún momento de su vida esta sensación?

Esta pieza la comencé a pensar el año pasado, cuando de repente perdí un amigo de muy cercano de toda la vida, entonces intenté desahogar las penas e ideé esta pieza, que hasta este año no he podido realizar, para el va dedicada.

El otro día, cuando la pieza ya estaba realizada, por casualidad vi un mural de Dalí, que esta en la casa de este y que no había visto antes, y le vi un gran parecido con mi pieza así que lo pongo cómo anécdota.

IGOR MITORAJ

La obra de Mitoraj se inspira claramente en el griego más arcaico, recordando casi el arte egipcio, tanto por sus formas como en su monumentalidad.
La verdad es que una de las cosas que más impresiona es el tamaño de las piezas, además el autor juega con las peanas para acentuar esa sensación; cuando estas al lado es inevitable que para ver su totalidad que tengas que levantar la cabeza, este hecho a su vez engrandece la obra.
Encuentro muy interesante el trabajo que realiza con el bronce, ya sea con patinas de varios colores como con la sensación de rotura o de grietas que consigue transmitir el autor.
También encuentro muy interesante las cabezas que están como maniatadas, como censuradas o raptadas de poder expresar alguna emoción, o gesto.
Las piezas todas están decapitadas o mutiladas como acabadas de encontrar de una excavación arqueologías o halladas en un barco naufragado; excepto por algunas incrustaciones de torsos o cabezas en las grandes piezas, todo lo demás parece arte griego; los cuerpos idealizados y de formas sencillas, irreales.
Creo que el hecho que las piezas estén en la calle que la gente las pueda tocar, observar por todos los ángulos posibles, que sean accesibles a cualquiera, acerca el arte a la gente y ayudan a que sus ojos observen mejor, y más el arte en general.

Jassans

Cada uno muestra su realidad.

Y Josep Salvador Jassans mostraba la suya. Una realidad llena de armonía, pureza, paz, bienestar... infinitos adjetivos, que todos los que hablan de él, coinciden con rotundidad.

Sin saber mucho de su persona, ya su obra refleja dedicación, perseverancia, compromiso hacia de lo que estaba enamorado y todo esto, desde una bestial sutileza y sensibilidad.

Al saber poco de su trabajo, realizé una búsqueda de comentarios y documentos que hablaran de él. Y en conclusión, las palabras sobran cuando se tiene delante su obra.

La intensidad en la que refleja su verdad, es como si se tratara de un paréntesis embriagador en nuestra realidad.

Sobre la estructura

Hace unas semanas sucedió...después de un bailoteo tipo "break dance" la estructura de mi escultura inevitablemente cedió. El problema que tuve fue doble. Por un lado, aplicando el sabio principio de "lo barato sale caro", compré tubos de hierro huecos, más ligeros de transportar, más baratos...pero no recomendables para soportar el tremendo peso que la pieza va adquiriendo sesión tras sesión. Por otro lado está el tema de la soldadura. En mi caso, las barras de hierro cuadradas y huecas, las soldé a través de pequeñas planchas de hierro, que a su vez estaban soldadas a la estructura. Hubiera sido mucho mejor, realizar buenas soldaduras directamente entre tubos de hierro macizos. Sea como sea, es importante empezar bien desde el principio, de otro modo, ya sabéis...la cosa se viene a bajo.

Steve Gibson

Creo que la obra de Steve Gibson es de alguna manera la representación volumétrica del expresionismo. Su obra que es en parte realista con un perfecto modelado de la figura, rompe con lo que seria la escultura clásica que solo se basaba en representar a la perfección cada detalle del modelo, pero que no dejaban de ser modelos sin ningún tipo de expresividad, sentimiento que pueda hacer “sentir” al espectador.
Por este motivo creo que la obra de Gibson representa claramente no solo a un volumen, sino también a la persona representada.

Gibson crea sus esculturas como si se trataran de pinturas, realmente parecen personajes extraídos de cuadros. El no solo los modela, también los pinta y les da vida con la utilización de ojos de cristal en algunos de sus modelos, es como si estuvieran vivos.
No son obras en la que el espectador salga indiferente, sino que para bien o para mal las obras penetran en el espectador

Pep Bernat

La relación que se crea entre el material y yo es entera, acabas sintiendo las formas y la materia como una prolongación de ti, cada golpe o movimiento de las herramientas se ve reflejado en toda la obra y sin quererlo cambias el gesto de la pieza.
Además creo que la capacidad de observación que conlleva el ejerció es total, cada músculo tiene un inicio y un final y este a su vez va ligado al hueso y otros músculos mas, estos reflejan unas tensiones y suavidades que a la hora de trabajar no resultan nada fáciles.
La figura poco a poco va surgiendo con sus relieves y sus sombras, poco a poco como una hormiguita construyendo su hormiguero, como una hormiga que fabrica grandes estructuras con su diminuto tamaño.
Creo que este trabajo me ha servido no solo como reto personal sino para aprender más sobre la anatomía humana y el barro como material para trabajar a largo plazo.

Levantamiento de la Pieza

Como bien decía Duchamp, trabajamos entre la intención y la realización, la conjunción entre estos dos polos es el resultado obtenido. En la mayoría de las veces ese resultado no satisface por completo a quien lo realiza, dando así la razón una vez más a Duchamp, quien apoyandose en esa diferencia sostiene la inhabilidad del artista para expresar completamente su intención. Aunque no es la primera vez que nos enfrentamos a la forma humana como referente, sí es para muchos el abordar una escultura a escala 1:1. El volumen de trabajo es considerable, tanto por los medios desplegados como por el tiempo y la mentalización que se requiere de quien ejecuta la obra. Por humildad y honestidad, nuestra inhabilidad es evidente, pero se debe exclusivamente a nuestra falta de experiencia .La satisfacción se ira haciendo mayor a medida que caminemos más y más sobre las formas y tensiones humanas.

Rodrigo Pérez

Steve Gibson

Gibson modela, sí, pero modela con una soltura y una intención mas allá de la copia. No solo la utilización de un material poco frecuente como el cartón y la resina es lo que confiere su carácter trasgresor. A partir de trozos de cartón cortados como un rompecabezas en el que cada pieza ha sido pensada con anterioridad, Gibson crea volúmenes que refuerza con la utilización de acrílicos, enfatizando la sensación de profundidad y volumen, pintando sobre la escultura sombras y pliegues. Estos cuerpos son desproporcionados, sus extremidades tremendamente descompensadas y sus cabezas presentan rasgos gigantescos, todo ello confiere a las obras una sensación de peso que no se corresponde con el material utilizado. La utilización de ojos de cristal a modo de las esculturas de cera junto con una puesta en escena poco habitual plagada de simbolismo y la utilización de objetos externos a las esculturas, crean un entorno teatral al servicio de una crítica social devastadora, en la que los celos, la apatía, el miedo y la apariencia recrean una sociedad en declive.

Elsa

¿Simplemente creando volúmenes?

Al comenzar la asignatura me sorprendió la rapidez con la que se podía levantar la escultura, al menos crear los volúmenes aproximados para que la pieza se sustentara y comenzara a tener unas formas reconocibles. En anteriores ocasiones en las que he tenido oportunidad de modelar con barro había dado forma desde el primer momento a cada pedazo que iba conformando la escultura, en esta ocasión en cambio las formas solo se han insinuado para después dibujar sobre ellas. El dibujo en tres dimensiones me resulta mucho más complicado que sobre papel puesto que exige una coherencia en cada trazo, tener en cuenta que cada modificación debe estar en perpetua unión con el resto de la figura. Por otra parte modelar te ofrece la posibilidad de comprender la figura en su totalidad e intuir las relaciones anatómicas del cuerpo en profundidad. El modelado requiere una concentración absoluta y tener en cuenta todas las partes del conjunto, de no ser así la figura tiende a desproporcionarse, a perder equilibrio, la belleza del gesto y la postura de la modelo, tendiendo a construir un cuerpo esteriotipado, homogéneo y alejado del referente real.
Por último, llega la que para mi es la parte más complicada, una vez puesto todo el barro y realizado las correcciones más generales llega el momento de suavizar, de rellenar y de insinuar leve y sensiblemente los detalles que dan carácter a la escultura, es necesario hacer un esfuerzo para abstraerse de la figura y captar la belleza de cada rincón, del gesto, para dar sutiliza a cada forma, creando una forma continua, suave y compacta sin protuberancias excesivas ni deformaciones. Al final, pese todo el esfuerzo para levantar la figura, para proporcionarla y para que no se caiga, la diferencia entre una escultura y otra se vera marcada por la sensibilidad estética de cada artista.

Elsa