Jassans

No he tingut el plaer de coneixer aquest escultor, del qual tothom parla tan bé. Amb un catàleg de la universitat, bastant complet, vaig poder observar fotografies de les seves escultures. Em sap greu no haver pogut assistir a l'homenatge pero en aquella mateixa hora tenia classe de dibuix amb el professor Crespo. De totes maneres per les imatges que he vist semblaven realment molt bones. Totes estaven molt ben acabades i pulides, fetes amb una gran sensibilitat. No es veia l'excés de coneixements d'anatomia que tant molesta en les escultures d'alguns artistes (no dubto dels coneixements d'anatomia d'en Jassans), sino que se sobreposava el bon gust per relacionar unes formes amb unes altres. En el catàleg també hi apareixia algun dibuix fet amb molta delicadesa i precisió en petits traços lligats els uns amb els altres que delimitaven l'espai a conciencia, em van agradar molt. Crec que es podia notar el caràcter idealista de l'escultor. Em fa l'efecte que es va guanyar el respecte de molta gent. Era un amant de les formes i la feina ben feta suposo ja que les seves escultures no indiquen conceptes de expressivitat de la materia ni discursos d'aquests. Simbolitza això, una certa honradesa. L'estil que he vist a les imatges em recorda molt a les escultures dels catalans Joan Rebull o Josep llimona entre d'altres. Espero que la universitat pugui tornar a disfrutar d'un professor semblant a les aules.

Imitació de la naturalesa en volums i formes

El coneixement de la imitació de la naturalesa es va construint a mida que anem experimentant. És un procés molt íntim lent d'aprendre, per alguns més lent que per als altres o nul per a uns quants. És un procés repetitiu, d'anar polint la conducta que un té envers errors que se solen fer. Almenys jo treballo amb l'error, potser altres persones no ho necessiten. Té un alt component creatiu (almenys en el procés d'aprenentatge inicial), ja que s'ha d'inventar alguns conceptes abstractes i mètodes per saber imitar correctament. Penso que tant el dibuix com l'escultura haurien de ser inseparables per a poder comprendre la representació volumètrica. Tant es així, que a algunes escoles d'art a Anglaterra (on l'art figuratiu té una forta tradició), a les aules de dibuix s'alterna també amb escultura. Per exemple, abans de començar un dibuix els alumnes fan un apunt en fang per comprendre correctament el seu funcionament general en les tres dimensions per a poder representar-ho després bidimensionalment, i a la inversa. Pel que m'han explicat son classes d'una gran intensitat, llàstima que a Barcelona no puguem disfrutar d'aquest ambient (ho dic afligit). Tot i que sempre es pot anar a classes d'oient. S'ha de practicar una mica cada dia amb la intensitat d'hores que cadascú pugui mantenir i amb el temps es nota la millora. A mida que anem acomulant saber, per petit que sigui, també es disfruta més en el moment de dibuixar perquè un té més seguretat.

Construcció de la peça

La construcció d'aquesta peça no ha estat una experiència religiosa ni cap batalla épica, senzillament ha consistit en posar fang en una estructura de ferro que em vaig trobar ja feta en un dels tallers de la planta baixa. Gràcies a Deu alguna ànima bondadosa va guardar amb tot l'amor l'estrucutra de l'any passat amb les mides exactes i amb una posició de model gairebé igual a la que em tocava esculpir a mi aquest semestre. Jo vaig tenir el plaer de descubrir-la. Així doncs no vaig haver de comprar material de ferro ni soldar-lo, només vaig haver de comprar la plataforma que em va costar 30 euros quasi. Com un dels objectius de l'assignatura (a part d'aprendre a representar els volums de les formes de la naturalesa) era estalviar-me tots els diners possibles, vaig anar de mica en mica, juntant tot el fang que vaig poder de les pasteres de la universitat; d'aquesta manera vaig recol.lectar uns 100 kilograms en bosses de brossa o més. Després d'un parell o tres de setmanes ja estava preparat amb tot el material per poder començar a treballar, fins i tot havia fet algun esbós previ. Començava llavors la fase més dura de tot el procés, la inicial, que era la d'emplenar l'estructura. Va ser un procés llarguíssim per una persona físicament tan feble com jo (no faig mai esport). Era tanta la materia que s'havia de repartir al voltant d'aquell escalet metàlic i d'una manera tan ordenada que no podia veure mai la fi d'aquella peregrinació. Cada tros de fang era una part que completava ritmes i proporicons que la escultra havia de cumplir amb la màxima compenetració per acabar donant un aire de naturalitat i repòs al model. Traginar fang amb sobresforços no era l'únic obstacle, sino també l'elevada temperatura de l'aula que convertia el taller en una especie de sauna-gimnàs. Mica en mica, entre goteig i goteig de suor, em vaig anar quedant enrere respecte els meus companys, que amb una actitud més calmada i funcional anaven més lleugers i la van acabar d'emplenar molt abans que jo. Així doncs em vaig convertir en un marginat de la classe sense dret a correcció per part del professor. Mica en mica, despres d'unes setmanes vaig conseguir acabar-la d'emplenar i del que havia estat només una muntanyeta de fang pringosa, humida i caòtica van apareixer les formes ordenades de la naturalesa en la materia de la mare Terra. Més endevant vaig anar perfilant cada pla fins una mica més a baix de la ingle ja que de l'equador cap a baix es va secar i no es va poder perfilar, va quedar a l'estil Rodin. El final va ser tot un èxit, així que l'aneguet lleig marginat es va convertir en tot un cigne triumfador.
Fi

JASSANS

La manera de modelar de Jassans fa senzill el procés d’entendre la forma, sembla que jugui amb les peces que composen el trencaclosques que inmediatament transformarà en fang. Sembla que no parteixi de la mímesi del concepte en la forma que té davant, que vagi transformant en fang el que es va trobant a cada moment, en el sentit d’incorporar linealment en el temps, el que va entenent. Així és capaç de disfrutar treballant des de dins de la bellesa perquè no espera el resultat sinó que intenta viure el màxim d’intensament el que està fent en cada tros de fang que toca. El que en paraules del professor Sergi Oliva remarca del treball docent de Jassans: “combinar la condició material de l’escultura amb la inmaterial”, posar l’escultura al servei de la sensibilitat.
De quina manera sinó podria haver fet reviure en el s.XX el que aparentment hom anomena escultura clàssica? El procés acumulatiu, en el sentit tant teòric com tècnic del que ha aportat aquesta disciplina artística als llibres al llarg dels segles, no hauria permès fer palesa l’emoció que l’artista tingué mentre acariciava amb la mirada els cossos per als seus treballs ni tampoc emocionar-nos als que ho contemplem ara. Ell es deslliura de la sistematització i circula per l’espai de la novetat i la sorpresa, el que li produeix alegria i lleugeresa d’ànima.

En busca del equilibrio

Jassans siempre planteó la escultura como algo puramente abstracto, aunque sus esculturas tuvieran como fuente de inspiración el arte griego.

Hablaba de la escultura como un dibujo en el espacio, un dibujo vivo.

Sus piezas serenas y harmoniosas dibujan perfiles de inmejorable precisión.
Jassans amaba su trabajo exigiéndose cada día un poco más de sí mismo, con rigor, constancia y pasión.

Para él la obra de arte venía a ser un oasis donde encontrar el alimento para el espíritu.
Delante de su obra creo que sobran los elogios, su obra habla por sí misma.

Para mí el modelado…

Se trata de una súbita estaciónque puebla ciertos huesos, ciertas manos,ciertos trajes marinos.Y ya que su destello hace variar las rosasdándoles pan y piedras y rocío,oh madre oscura, ven,con una máscara en la mano izquierday con los brazos llenos de sollozos
Por corredores donde nadie ha muertoquiero que pases, por un mar sin peces,sin escamas, sin náufragos,por un hotel sin pasos,por un túnel sin humo.Es para ti este mundo en que no nace nadie,en que no existenni la corona muerta ni la flor uterina,es tuyo este planeta lleno de piel y piedras.Hay sombra allí para todas las vidas.Hay círculos de leche y edificios de sangre,y torres de aire verde.Hay silencio en los muros, y grandes vacas pálidascon pezuñas de vino.Hay sombra allí para que continúeel diente en la mandíbula y un labio frente a otro,y para que tu boca pueda hablar sin morirse,y para que tu sangre no se derrumbe en vano.
Maternidad, Pablo Neruda (fragmento)

La cuestionada belleza

La belleza al igual que muchos otros conceptos abstractos nos hace plantearnos el arte clásico de manera radical. Aunque creo que este concepto en particular puede crear muchos conflictos innecesarios.
La belleza debe ser entendida como algo meramente subjetivo y como tal es apreciado de manera diferente por cada individuo.
Creo que sobre la belleza no hay criterios determinados a seguir, ni tampoco creo que este concepto tenga que ir ligado al de artista.

Opino que no se debe etiquetar al ser creador sea cual sea su obra, y que deberíamos respetarla adentrándonos en su discurso, entendiéndolo para así valorar.

Personalmente intento desprenderme de todos esos conceptos abstractos que nos rodean para disfrutar de la obra plenamente.

Escultura expresionista

Sin lugar a dudas salí de aquella exposición realmente cautivada por esos rostros inquietos colocados estratégicamente durante todo el recorrido para casi molestar al espectador.
La calidad rugosa de las esculturas se debe al cartón resinado con el que crea la piel.
Gibson nos invita a la contemplación de sus formas que nos hablan de soledad, de inquietudes, fobias y miedos.
Gibson consigue algo muy perseguido en todo el siglo XX, dar vida a sus esculturas y provocar una reacción al espectador, ya sea de rechazo o de agrado.
Parece fácil conseguir esa reacción en el descontrolado arte contemporáneo al que estamos acostumbrados, pero creo que tiene mucho mérito conseguirlo mediante el modelado de materiales de desecho.

Cada día se aprende algo nuevo

Hará cosa de un mes mi escultura tuvo un pequeño accidente, cual fue mi sorpresa al llegar al taller y ver que todo el barro de cintura para abajo se había derrumbado dejando al descubierto toda la estructura metálica...
El usar barro de otro tipo (mucho más económico) me había pasado factura, imaginaros tener que retirar el barro que aún se mantenía y empezar la escultura otra vez de cero.

Compré barro “del caro” y como “no hay mal que por bien no venga”, pensé y obté por ver el lado positivo de todo esto, .

Aprendí que hay casos en los que más vale prevenir que curar…

Epístolas morales a Lucilio

Epístolas morales a Lucilio

Toda arte es imitación de la naturaleza;
Una estatua ha precisado tanto de la materia que se somete a la operación del escultor, como del escultor que imprime la forma a la materia.
También el mundo, como dice Platón, tiene todas estas causas: el hacedor, ese es Dios; el elemento del que es hecho, la materia visible; la forma, la disposición y orden del mundo, que contemplamos; el ejemplar, sin duda, el modelo conforme al cual Dios realizó la grandeza de esta obra bellísima; el fin ,la motivación de su obra.
Yo no puedo tan solo que afirmar lo que dice Platón, pues para mi la naturaleza es creación de Dios y tenemos ante nuestros ojos hermosos modelos en los cuales podemos tener una motivación para poder crear.

Mi relación con el modelado

Siempre me había atraído la sensualidad de este material voluble y viscoso, el contacto directo con el, amasar y dar forma, creando formas a su vez sensuales. Con otro tipo de materiales la creación se basa en una consecución de pasos constructivos que alcanzan en mayor o menor grado nuestras expectativas; en cambio, modelar con barro responde a una necesidad de búsqueda de la perfección, perfección al percibir las formas y conexiones que nos ofrece el modelo, perfección, perfección y medida en cada gesto al representar el volumen que nos habla de algo mas allá e la fisonomía de un cuerpo.

Al modelar un cuerpo intuimos la presencia, la unión entre el interior y el exterior que nos envuelve, la esencia del espíritu encarnada, este proceso de reconocimiento de la esencia y mas tarde de reconocimiento en el otro, en el modelo, se manifiesta a la inversa al modelar, es el espíritu del autor y la esencia del cuerpo lo que da vida a la obra, lo que la dota de espiritualidad, encanto y sensibilidad.

Modelar el cuerpo humano es el mayor reto pero también el más reconfortante; en la materia que erguimos plasmamos no solo la forma y volúmenes sino nuestra aspiración, nuestra comprensión de la belleza y la estética, plasmamos el pulso de la vida, en un instante estático conformado por momentos continuos de comprensión, inspiración, enamoramiento, desazón y angustia.

El reto para mi es plasmar en el barro modelado un retrato del alma, una sensación concreta, y con la perfección del cuerpo la imperfección humana, que a su vez pueda percibir el espectador. Si una sensación concreta ha motivado esta escultura es la nostalgia que veo impresa en el cuerpo, el cuerpo es la historia del alma.

Modelar...

Parlaré del Modelat més enllà de la pura tècnica, aquella que pot adquirir-se amb la pràctica, temps o habilitat…

Parlaré d’allò que diferencia una mera peça de decoració d’una escultura. Tot des d’un punt de vista purament personal:
L’artista es realitza a si mateix, en un context d’època materialista, artificial e il·lusòria. L’artista es llença a la creació amb la necessitat d’expressar-se, una necessitat gairebé biològica que es transforma en una força motriu continua i poderosa.

L’artista és un CREADOR, però als ulls de la societat no és més que un provocador.
La gènesi del seu pensament és indivisible de les seves activitat de judici i de creació artística. Només això decideix que és alhora un creador.
Més que un acte ideològic és un judici estètic. Només la estètica personal de l’artista constitueix a la vegada la seva filosofia i la seva ètica. En el fons de si mateix, el seu judici estètic, que , tot i que pot evolucionar, preval permanentment arrelat, i no dona lloc a les dilacions de la moda.
Modelar per a mi, va sempre molt més enllà del purament visible físicament.

MIMESIS.-

(Del lat. mimesis. Imitar, representar y este del Gr mimeistkai, imitar).

Aunque tengo claro lo que significa la acepción mímesis, recurro a la entrada del diccionario para posicionarme.
Mímesis como imitar, como representar. No estoy del todo de acuerdo. Imitar no es representar. Bajo mi punto de vista "imitar" conjuga mejor con el término "mímesis" que no "representar" si seguimos la interpretación platónica de mímesis. La concepción platónica de mímesis otorgaba a las artes plásticas una posición de inferioridad con respecto al resto de las artes (de la política, estrategia militar, oratoria…) o artesanías (las llamadas “technae”).
Para Platón, los entes que percibimos en el mundo de lo sensible (nuestro mundo) son meras representaciones (reflejos) de las ideas de esos entes que se encuentran todavía en un mundo superior, el mundo de las ideas, al que Platón confiere la categoría de “el mundo de lo real”. Por tanto el uso platónico del término “imagen” muestra que la teoría de la imitación está estrechamente relacionada con una concepción jerárquica de la realidad. La realidad pictórica no es más que una aproximación al objeto material al que se imita, nunca es una verdadera copia de aquel. Así, la imitación, funciona como sugerencia o evocación de lo real. Y es por eso que el artista plástico se encuentra doblemente alejado de la realidad última del objeto. Habla de artes miméticas, porque imitan las apariencias de los objetos. Es el arte que trata de la representación de las apariencias de las cosas. Y por tanto no ofrecen ningún tipo de conocimiento sobre los objetos que está tratando; por eso Platón sitúa en el escalón más bajo de las technae (artesanías) a las artes plásticas.
El argumento platónico sobre el concepto mímesis ha sido de una importante influencia hasta hace poco en el mundo del arte: el arte imita la naturaleza, lo que otorga una categoría de superioridad a la naturaleza. A partir de la irrupción del romanticismo y las sucesivas y continuas renovaciones estilísticas, hasta ahora, cuando el arte se convierte en vehículo de reivindicación del hombre como protagonista, la “imitación” de la naturaleza se vuelve una “representación” de la naturaleza. Oscar Wilde dirá: “Cuanto más estudiamos el arte, menos nos interesa la naturaleza”; para Whistler “La naturaleza está por lo general equivocada”. Ahora el arte no es una copia directa de la naturaleza, sino que revierte en una interpretación que de la naturaleza hace el hombre, según los factores de índole geográfico, social o personal, que en cada momento le influya. Si he de elegir alguna de las dos acepciones que el diccionario hace del término “mímesis”, sin duda me quedo con la acepción de “representación”, porque sin lugar a dudas es la acepción que concede al artista una libertad de lectura de lo que sucede a su alrededor, una mayor libertad de acción; pero permitidme añadir que esto lo digo bajo el sentimiento de NO alienar del todo al referente.

El Modelado

A lo largo de mi incursion en el modelado he sentido una satisfacción distinta modelando la figura humana de memoria que realizando la obra con un referente físico. El trabajo ya desde un principio se plantea de forma diferente y a veces genera resultados que no se definen hasta que practimamente se llega al final. Trabajando de memoria, el referente mental abarca todas las formas que he ido asimilando no sólo trabajando del natural, sino también todas las formas humanas que he ido integrando a mi mente desde que empecé a cultivar y educar mi percepción visual. Creo que mi intención al trabajar de este modo esta en intentar plasmar una estructura coherente dentro de la forma, sea ésta una pierna, una mano o una cabeza. También es cierto que al trabajar del natural siento la necesidad de más información que la que percibo con la vista, deberíamos a parte de mirar, tocar. El sentido del tacto me parece tan fundamental como el visual y al no usarlo atrofiamos nuestras cualidades como escultores, aún teniendo un dibujo excelente, seguiría pensando que se debería recurrir al tacto, para así poder comparar, entender y ver mejor la forma. Pero siendo el referente mental, ya no hay nada que necesite ver a parte del trozo de barro que tengo delante. Si consigo que mi criterio estructural guarde fidelidad y coherencia y se parezca al de su forma real, se sostendrá por si solo y tendrá un carácter peculiar y notablemente distinto al real. La sensación que me es común tanto si trabajo del natural como de memoria es que el proceso de creación me plantea un conflicto, me introduce en la complejidad del momento, en lo dinámico.

Sobre la bellesa

Hi ha tantes belleses com mirades i infinites maneres de percebre-les.

"Himno a la belleza"

"¿Vienes del cielo profundo o del abismo surges,
oh, Belleza? Tu mirada, infernal y divina,
confusamente vierte la buena acción y el crimen,
por lo que te podemos comprar con el vino.

Contienes en tus ojos el poniente y la aurora;
derramas perfumes como una noche de tormenta,
tus besos son un filtro y un ánfora tu boca
que hace cobarde al héroe y valiente al niño.

¿Sales del negro abismo o bajas de los astros?
El Destino hechizado sigue tus enaguas como un perro;
Siembras al azar la dicha y los desastres,
y todo lo gobiernas sin responder a nada.

Marchas sobre los muertos, Belleza, y de ellos te burlas;
de tus joyas el Horror no es la menos preciada,
y el Crimen, entre tus mas queridos amuletos,
sobre tu vientre altivo danza amorosamente.

La efímera candela hacia ti va atraída,
Crepita, arde y dice: ¡Bendigamos esta llama!
El amante jadeado inclinado sobre su belleza
es como un moribundo acariciando su tumba.

¿Qué importa que tú vengas del cielo o del infierno,
¡oh, Belleza! ¡Monstruo enorme, espantoso e ingenuo!
Si tus ojos, tu sonrisa, tus pies, me abren la puerta
de un Infinito amado que nunca he conocido?

De Satán o de Dios, ¿qué importa? Ángel o Sirena,
¿qué importa?, si tú haces- hada de ojos de terciopelo,
ritmo, perfume y luz, ¡oh mi única reina!-
menos horrible el mundo y mas cortos los instantes? "

Charles Baudelaire "Las flores del mal"

EL LEVANTAMIENTO DE LA PIEZA.-
Cuando ví que el ejercicio propuesto para la asignatura era el de una gran pieza, me animé mucho. Podría decir que hasta hubiese dado saltos de alegría, por fin una pieza a tamaño natural!! Por fin nuevos retos, un paso más, algo distinto, vamos a modelar con mayúsculas!

Esta nueva (para mí) concepción de la escultura supone nuevos retos, nuevos planeamientos, nuevas dudas. Mi principal miedo, dadas experiencias anteriores, era saber si íbamos a tener el suficiente espacio para moverla, para compararla con el modelo desde lejos, para relacionarte con el modelado… Al final, esto no supuso ningún problema, pero la verdad es sí que surgen nuevos problemas que a priori pretendes controlados. Al principio das por hecho que todos los problemas técnicos que pudieran suceder no tienen por qué; para eso has estado tres años anteriormente relacionándote con el mundo de la escultura en la Facultad, adquiriendo conocimientos sobre el modelado, las estructuras, las herramientas, los procesos, etc. Pero no es así, y final sucede que los fantasmas de las adversidades aparecen. A mí en concreto me cedió la estructura cuando la figura empezó a coger cierta consistencia. Por eso este ejercicio, además de ser un ejercicio desde otro punto de vista, un ejercicio para la reflexión, es un ejercicio para profundizar algo más, un ejercicio para tener en cuenta que son más los factores que entran en juego además del modelado o la relación entre el escultor y la pieza, y que, aunque éstos son secundarios, bien te pueden arruinar el trabajo.

Antes he dicho lo de "modelar con mayúsculas". Bien, esto no tiene nada que ver con hacer una pieza grande, es hacer esa pieza y dotarla de la personalidad que necesita. Durante el proceso temporal que va desde levantamiento de la estructura a la finalización del proyecto va un largo trayecto que se hace más arduo cuanto más nos acercamos a la finalización de la pieza, digamos que la velocidad de realización del modelado va descendiendo cuanto más nos acercamos al final de la pieza, y es ahí donde surge otra duda: ¿Cuándo está realmente acabada la pieza?, podríamos decir que cuando el producto de la mímesis se adecua a su original. Sin embargo yo soy de la opinión de que esto sucede cuando la obra te pide a gritos que pares, que ya no hay lugar a ninguna otra acción más. Está claro, y es que en el proceso de construcción es cuando el escultor desarrolla todos los vínculos afectivos que le unen a la pieza, en él hay todo un cúmulo de avances y rectificaciones, pasos adelante y pasos atrás que establecerán esas relaciones. Esta relación es importante, y en el proceso es importante que el autor esmere todos sus cuidados y esfuerzos, porque al final ya no será el escultor el que hable de la pieza, sino que será la pieza la que hable del escultor.

REFLEXIÓN SOBRE EL MODELADO.

Hay una actitud lógica de equiparar el modelado al dibujo. Tanto dibujar como modelar son procesos que bajo mi punto de vista siguen las mismas pautas de construcción, y en él intervienen diferentes factores que nos pueden parecer tan insospechados como a la larga inseparables del mismo. El modelado como el dibujo trabajan sobre las mismas cuestiones. Partimos de una estructura a la que conferimos una forma abocetada para llegar al último campo o nivel de acabado, en la que buscamos la consecución de diversos factores equiparables en ambas disciplinas: hablamos del volumen, el carácter o la personalidad de la pieza, etc. Tanto en el modelado como en dibujo los esfuerzos se concentran en las líneas de fuerza, las líneas de contorno, las luces, las sombras, los planos y la proporción. Ambas disciplinas trabajan la adición o sustracción de material, sólo difieren en el soporte. Tanto el modelado como el dibujo son campos de conocimiento, mediante ellos logramos materializar el abstracto concepto de la idea, a través de un simple boceto, que luego podemos proyectar o bien hacia una mímesis perfecta de la idea, o bien evolucionarla para que dé lugar a una entidad diferente en aras de otras necesidades funcionales o estéticas.
Bajo mi propia experiencia, modelar responde entre otras cuestiones a la necesidad de tocar, de palpar, de retorcer, de apretar. Y siento cómo esta necesidad puede tener su origen en nuestra infancia. De pequeños, incluso mucho antes de caminar, una de las primeras formas de aprendizaje es la táctil, el reconocimiento del mundo a través del tacto. El bebé todo lo quiere manosear, mover, así como testear el peso para posicionarse y medirse en cuanto al objeto. Se trata pues de tocar, palpar, acariciar y abrazarlo todo. A la vez vemos como ese mismo niño puede sosegar su llanto ante el calor de una caricia maternal. Es ésta una sensación de aprendizaje que seguimos usando de mayores para valorar la capacidad de conocimiento sobre un objeto, tanto necesitamos sentir la rugosidad de un papel de alto gramaje como necesitamos sentir la textura de la piel de aquella persona que es capaz de exaltar nuestros sentimientos. Una de nuestras mejores formas de expresión de cariño es el contacto físico y directo, la dulzura de una caricia. Como alumno de modelado me siento niño, en todo momento aprendo cosas nuevas en mi relación con lo que amaso y retuerzo.

SOBRE STEVE GIBSON

No he tenido la oportunidad de estar en la galería Mito y poder ver "in situ" la obra de Gibson. No obstante, he indagado un poco en su vida y su obra, y me quedo con la idea de que este artista inglés estuvo influenciado por la obra de Lucien Freud. A mí no me cabe la menor duda, pongo un par de ejemplos de la obra de Freud que son fácilmente equiparables a la obra de Gibson. A partir de aquí Gibson desarrolló un personalizado proceso de creación de la escultura con materiales reciclados, poniendo al cartón como material protagonista de sus proyectos. Con él ha conseguido plasmar el proceso de entropía del cuerpo humano, y además poner un punto de atención en el carácter psicológico de un personaje que se encuentra a caballo entre el realismo pictórico y el expresionismo. Con ello la obra de Gibson parece hablarnos, del carácter caduco del cuerpo, de la tragedia del ser, de la perversión del tiempo y de la intensidad del alma, caracterizada por el dolor y la soledad.

REFLEXIONES SOBRE LA BELLEZA.


“No hay más fealdad en el Arte que aquello que carece de carácter, es decir, aquello que no ofrece ninguna verdad exterior ni interior. Es feo en el Arte lo que es falso, lo que es artificial, lo que trata de ser bonito o hermoso en lugar de ser expresivo, lo que es amanerado y preciosista, lo que sonríe sin motivo, lo que se amanera sin razón, lo que se arquea y se rompe sin motivo, todo lo que carece de alma y verdad, todo lo que no es más de que alarde de belleza o de gracia, todo lo que miente.”

Auguste Rodin
A propósito de las críticas recibidas por el busto “El hombre de la nariz rota”

“Como puede deducirse de las palabras de Dionisio, lo bello está constituido por el esplendor y por las debidas proporciones: en efecto, él afirma que Dios es bello “como causa del esplendor y de la armonía de todas las cosas”. Por eso la belleza del cuerpo consiste en tener lo miembros bien proporcionados, con la luminosidad del color debido.”

Santo Tomás de Aquino
Claritas
Summa Theologiae II-II 145,2

"Lo bello es ya una expresión de la libertad, pero no de aquella que nos eleva por encima de la potencia de la naturaleza y nos libera de toda corpórea, sino de aquella que de la disfrutamos como hombres en la naturaleza. Nos sentimos libres en la belleza porque los instintos sensibles están en armonía con la razón".

Friedrich Schiller
De lo sublime 1801

Homenatge a Jassans

Fortuna no tan sols em privà de coneixer personalment a Jassans, sinó que també feu que el dia de l'homenatge em trobés dins una aula absorbit per un dibuix que em feu oblidar l'hora que era i per tant l'homenatge.

Escoltant i llegint comentaris de gent que el va coneixer, m'ha cridat l'atenció la reincidència d'aquests en el vincle que té la seva obra amb la seva persona. Tenint en compte els dos principis descrits en l'inici, no em veia amb coratge de fer un comentari digne basant-me amb quatre conceptes extrets de llibres. La meva decisió final ha estat la de citar a un altre gran artista que parla sobre aquesta relació entre l'home i la seva obra, així com també la relació entre l'home i la seva terra. Essent aquest un artista que se'n cuidava de la búsqueda de la bellesa i vericitat dels seus escrits, a través de modelar-los meticulosament paraula per paraula per poder contar la trascendencia de la essència humana, crec poder dir que en el text hi trobarem un petit homentge a Jassans.

"..Resultados, no causas; resultados, no causas. Las causas yacen en lo más hondo y son sencillas: las causas son el hambre en un estómago, multiplicado por un millón; el hambre de una sola alma, hambre de felicidad y un poco de seguridad, multiplicada por un millón; músculos y mente pugnando por crecer, trabajar, crear, multiplicado por un millón. La función ultima del hombre, clara y definitiva: musculos que buscan trabajar, mentes que pugnan por crear algo más allá de la mera necesidad: esto es el hombre. Levantar un muro, construir una casa, una presa, y dejar en el muro, la casa y la presa algo de la esencia misma del hombre, y tomar para esta esencia algo del muro, la casa, la presa: músculos endurecidospor el trabajo, mentes ensanchadas por la asimilación de lineas nítidas y formas que fueron parte de la concepción de la obra. Porque el hombre, a diferencia de cualquier otro ser orgánico o inorgánico del universo, crece más allá de su trabajo, sube los peldaños de sus conceptos, emerge por encima de sus logros..."

JOHN STEINBECK "Las uvas de la ira"

La belleza o la crítica del arte

Cuando la belleza se coloca en la cima del criterio estético, como valor supremo, se la está relegando al mundo de los conceptos. A través de una operación del intelecto, se valora y ordena lo que se ve, se establecen preferencias y se decide qué es bello y qué no.
La belleza es una experiencia que aparece dónde el intelecto no tiene acceso. No es comparable ni medible, porque no pertenece al pensamiento. Ocurre cuando el tiempo como comparación ha finalizado, y es justo después de que ocurra, cuando el pensamiento interviene y lo congela en forma de concepto para poder transmitirlo.
Pero en ese momento todo rastro de belleza ha desaparecido. De este modo el pensamiento confunde la calidad expresiva en el sujeto con las características del objeto observado sin darse cuenta de que más que algo externo, es una cualidad interna, una forma de percibir.
El artista capta la belleza y mediante su obra intenta transmitir la experiencia viva que está teniendo. Y será tanto más capaz de hacerlo, en cuanto a que no haya una separación entre la experiencia vivida y la obra realizada. La obra es la transcripción directa de una manera de sentir.
La belleza es vibrante, los conceptos están muertos, pertenecen al pasado.
La belleza que se desprende de una obra dependerá en último término de la experiencia que esté dándose en el espectador, porque siempre es algo individual.

El modelado

Una de las cosas que me pasan por la cabeza últimamente sobre la escultura es que futuro le espera…. Desde hace ya unos años el mundo informático ha evolucionado considerablemente, al igual que los programas de modelado digital, hoy en día se crean modelos con un detalle y una realidad impresionante, ya que con muchísimos de los programas de modelado actuales y unos días de trabajo se pueden conseguir resultados increíbles. Estos modelos digitales se pueden “imprimir” tridimensional-mente creando copias en pocas horas. Incluso si se desea una copia exacta de un modelo real existen escáners 3d que en unos minutos crean el modelado virtual.

Uno de los problemas que le veo a la escultura tradicional es que en un futuro no muy lejano tenga que competir estos otros sistemas de modelado que a primera vista son mas rápidos y mas económicos.

Que futuro le veis? Yo realmente espero que se mantenga y que el modelado digital se quede en las pantallas

Sobre el arte de modelar...

"Cuando humedezcas mis figuras, no exageres, no sea que se ablanden demasiado, y ten cuidado con los modelos; envuélvelos en periódicos, en pañuelos o en cualquier cosa que encuentres", escribía Rodin a su mujer Rose desde Bélgica en 1871. Rose tenía que hacer todo lo necesario para que los modelos de Rodin no deformaran la realidad.

¿Pero qué papel juega la imaginación en el modelado? Alguien dijo que la manipulación y las técnicas básicas del modelado abren las puertas de la imaginación, ya que no hay límites en las formas y diseños que se elaboran. Un claro ejemplo de esto lo vemos en clase, pues si nos fijamos en las réplicas de Pili y de Antonia, veremos que muy pocas se parecen y eso que representan una misma realidad.Es aquí donde se cuela el componente imaginativo de cada uno.

Así mismo, el modelado creo que también supone un estado de relajación que viene dado por la concentración de tu mente hacia el modelo a representar. Para modelar, se parte de una insatisfacción, de la perplejidad ante algo que observamos. Luego se recurre a algún material deformable, pero de buena consistencia, como el barro, las ideas o las convicciones, también deformables. Entonces, se trata de hacer un ejercicio de concentración, difícil en ocasiones, y darle al material una forma que capture la esencia del modelo en cuestión. La forma que va surgiendo, será esquemática, abstracta y más simple que lo que queremos representar. Será como una metáfora ascendente.

Sin embargo, el modelo no es suficiente, hay que interpretar y dar sentido a nuestra pieza, de forma que todo esté de acuerdo con la realidad. Este proceso, es difícil, como he dicho antes, y a veces, ésto nos lleva a modificar o ampliar el modelo. Deformar la realidad.

Pero, ¿puede existir algo más allá del entendimiento? Quizás la perspicacia, la capacidad para descubrir el sentido que subyace ahí, oculto entre los sucesos, la capacidad de mirar a través de lo que no se manifiesta claramente. Percibir lo que no es obvio, lo que no está patente (latente tal vez); éste es para mí el verdadero significado de la palabra modelar.

Jassans

Jassans escultor i artista que muchos de nosotros ya no tendremos la suerte de conocer.
No es justo hablar de el como persona si no se ha tenido la oportunidad de conocerle, pero como escultor y como artista si que se puede hablar de el y de su obra que no deja indiferente a nadie.
Como el decía la escultura es el dibujo en el aire, cosa que se refleja claramente en cada una de sus obras. Sus obras son muy estudiadas por Jassans que busca la comunicación entre el modelo y la obra dotadas de una pulcritud en las formas realmente impresionante, creando un conjunto que es el que realmente hace llegar al espectador para que sienta el trabajo del escultor.

L'aixecament de la figura i síntesi

Me sentit, aixecant la figura, una mica com una formiga. Poc a poc, per aquí i per allà cada dia alguna cosa ha canviat en aquell cos, alguna cosa que mica en mica li ha anat donant una forma cada cop més vertadera i menys andrògina.

Al mirar les fotos de fa un mes i mig em sembla increïble tot el canvi que la figura ha experimentat i els canvis perceptuals que en mi està aportant. És el primer cop que faig modelat i, encara que en sóc conscient, se’m fa força fascinant comprovar com d’un munt de pastilles de 12 kg en pot sorgir un cos ple de dinamisme com els que han sorgit.

Al començar la obra per a mi van ser molt xocants les dimensions. El fet de treballar amb una peça més gran que jo mateixa em va causar una mica d’astorament i no sabia massa com tractar-la. Amb els dies i a base d’anar-la tocant, pensant i construint ens hem anat coneixent millor. He agafat una confiança cap a ella molt gran que al principi no tenia, m’he l’he fet més meva i ella m’ha ensenyat a treballar amb el pensament a part de amb les mans.

La setmana passada el Jorge Egea em va preguntar si no m’agradaria tornar a fer l’assignatura, per aprofundir més en ella ja que la meva peça quedarà inacabada per falta de temps. Al principi, el primer pensament que em va venir al cap va ser... ufffffffffffff! Però realment si que estaria molt bé, ja que si en comences una altre ja ho faria amb una altre mentalitat més oberta cap a la peça i més segura alhora de començar-la. Ha estat una experiència molt profitosa que em queda pendent repetir per més endavant.

Escultures al carrer

Sense buscar-ho, passava per les Rambles i em vaig trobar les escultures d'Igor Mitoraj. Cossos enormes, decapitats o amb extremitats tallades. És impressionant poder visualitzar aquestes enormes escultures aplegades al carrer.

Junt amb elles vaig trobar un panell informatiu que explica l'intenció d'acostar l'art a l'espai públic per estar a l'abast de tothom, i em va semblar molt bona idea, encara que em manca més informació de cada obra en particular.

Entremig dels cossos sorgeixen rostres; les cares de moltes escultures estàn envenades, es respira un maltractament psicològic que és el que patim cada vegada més en aquesta època contemporànea de consum absolut, de materialitat.

Les ferides s'intercalen amb fantàstiques ales, que em remeten a personatges mitològics, els quals podem ser tots nosaltres, en la societat actual.

Enormes caps esquerdats deixen entreveure i accedir a l'interior de l'escultura, perquè tots poguem introduir-nos-hi i veure la vida a través dels ulls de l'art.

Sobre la bellesa

Al contemplar una obra d'art, el primer que es perceb és la seva estètica, la seva filosofia de lo bell. Tots tenim interioritzats un gust determinat que costa molt d'explicar, de definir, però que el sentim en l'esperit i en les nostres mans a l'hora de crear. Però si que des de Plató, la idea d'associar la bellesa amb lo bò "justicia, bondat i bellesa", ha quedat gravada en el nostre interior.

Ja des de principis del s. XX, el concepte de bellesa començà a entrar en crisi dins d'alguns moviments artístics, arribant fins els nostres dies. Però seguint amb la repetició de la història, no tots els moviments l'han rebutjat. El que pot haver passat és que la ciència i la tecnologia han impactat de manera molt directa en l'art -com ho han fet sobre la mateixa vida-, arribant a transformar la concepció que es tenia del món. L'impressionisme també es pot entendre com una reacció a la fotografia en blanc i negre, responent amb pinzellades de color i diluïnt la forma. Quan la fotografia i el cinema avançaren i utilitzaren el color, els artistes començaren a buscar més en l'intel.lecte que en la bellesa en si, com fou el cas de les vanguardies del s. XX. Tot i així, aquest concepte de bellesa el tenim massa interioritzat com per no atendre, per exemple, a la composició d'una pintura o a la voluntat d'harmonia en qualsevol obra d'art, encara que aquesta sigui aconseguida a través del caos.

Ara, en els nostres dies, molts artistes han optat per la lletjor i el fàstic per provocar una reacció en el públic, convertint l'art en una eina quasi exclusivament política i de crítica social. Ja a l'inici del s. XX, s'afirmava que lo lleig en l'art arribaria a ser tal que acabaria sent vist com lo bell. Amb tot això no vull dir que l'art actual no tingui en compte la bellesa, doncs ja he dit abans que tots nosaltres tenim interioritzats un cert concepte d'ella que ens sorgeix de manera intuïtiva, però si que ha deixat de considerar-la com a característica essencial de lo artístic.

Com afirma Humberto Eco, la bellesa ha començat a fugir de l'art per a refugiar-se en la publicitat, la moda i altres expresions de la vida quotidiana.

La Belleza

El concepto de la belleza en la escultura difiere en lo que se reconoce como belleza en la realidad. Se podría decir que la escultura recibe una visión bastante diferente de la que se pueda tener de una persona física.
En mi opinión tiene mucha mas belleza una escultura realizada a partir de un modelo mas bien bajito, regordete… , (lo que llamaríamos una persona poco atractiva), que no de una persona que mas estilizada. Creo que gran parte de la culpa la tiene el hecho que al ser un trabajo manual la dificultad de representar un modelo con mas curvas y muchos mas detalles da como resultado un trabajo que a primera vista parece mas elaborado que si se hubiese realizado de un modelo mas rectilíneo.

Proceso de trabajo

Se podría decir que el proceso de trabajo en una escultura es sumamente importante principalmente en la primera y ultima fase. La primera fase es la del planteamiento de todo el proceso que se llevara acabo, así mismo el de la construcción de la estructura interna que conformara la proporción del conjunto escultórico. Al fallar este proceso, difícilmente se llevara acabo la escultura en su forma correcta.
Aparte de la primera parte de la escultura también es importante la ultima parte que es el momento en que se decide que la escultura esta terminada. Normalmente es una decisión difícil de tomar, ya que siempre quedan detalles por retocar, incluso el decidir que aspecto debe tener dicha escultura.

Sobre l'experiència d'aixecar l'escultura/la matèria

L'experiència d'aixecar l'escultura l'he sentit lligada a un treure i posar inevitable. Començant per la base, posant fang mecànicament, i arribant fins el cap, el rostre, el cabell...

Només en una ocasió havia realitzat un treball de modelat, quan cursant el batxillerat artístic vaig realitzar el treball d'un tors de mides més reduïdes. Aquest cop he pogut sentir un cos a cos amb l'escultura, realitzant una figura de tamany real, i tot i no tenir gens d'experiència, he pogut sentir molt més la seva essència, involucrant-me més amb la forma i el caràcter-psicologia de la model, i amb la meva pròpia.

Entre la forma real i la creació, sempre hi ha un filtre de nosaltres mateixos. Vint escultures de la mateixa model mai seràn idèntiques entre elles.

- convencionalisme -

MODELAR
conjugació [1839; de model]

v tr 1 ART Donar forma amb argila, cera o una altra matèria plàstica a una figura o a un ornament que després hom ha d'executar en una matèria dura.

2 ART En pintura, representar amb exactitud el relleu de les figures.

3 Donar forma als cabells amb una permanent fluixa.

4 fig Conformar a un model. Modelar l'ànima d'un nen.


MODELAT -ADA
[de modelar]

1 adj Que ha sofert modelatge.

2 m 1 Acció de modelar 3;

2 l'efecte.

3 m GEOMORF Conjunt de formes d'un terreny que caracteritzen un sistema d'erosió.


MODELATGE
[de modelar]

m ART 1 Acció de modelar.

2 1 En escultura exempta, procediment mitjançant el qual l'escultor, amb una matèria plàstica i mal·leable, fa un model que després reproduirà en guix, marbre, bronze o qualsevol altre material.

2 En relleu, pintura, dibuix, gravat o tota altra representació bidimensional, intent d'aconseguir la sensació de volum mitjançant recursos lumínics, contrasts de color, perspectiva, etc.

Una primera vegada...

Des d’un punt de vista segurament eclipsat…

M’explicaré. A diferència de la resta del grup, aquesta ha estat la meva primera vegada. Hi ha primeres vegades per a tot i aquesta ha estat la meva. Un primer contacte amb el modelat de la figura humana. Ha estat una experiència si més no, interessant.

Tot un progrés d’acceptació, per duur a terme un projecte que resultava insòlit, per a algú que fa pintura. Aprendre tot un plantejament inicial, calcular una estructura. Adherir un material i a poc a poc crear volum. Definir un espai que amb els dies, semblava ser el teu espai. Un espai, que té uns volums, que s’han de redefinir dia a día, fins adoptar una exactitud plena. A més amb una conservació constant, conservant el grau d’humitat dia a dia. Un vincle que no permet la pintura. Ja que amb aquesta sé perfectament com reaccionarà, i com la trobaré. Amb el modelat, sempre tens el dubte de si farà massa calor a l’aula aquests dies, si s’ha esquerdat, si algú l’ha manejat… i t’escapes a veure-la, per estar tranquil·la.

Una tasca de visualitzar, observar i entendre; Entendre tot un món diferent, un món real, un món diàri de 3 dimensions, passat a 3 dimensions.

Una experiència que vicía, que ja ara m’ha creat un anhel de voler-ne més, de seguir modelant d’una forma gairebé excitant.

Sobre l'experiència de modelar

Per a modelar es necessita temps per entendre els volums, els diferents plans, la forma en general, i traspassar-la al fang. La veritat és que nosaltres no hem tingut gaire temps, però si que em pogut mínimament afinar les pròpies formes de la model, intentant distingir el seu braç de qualsevol altre, fixant-nos en la forma i la cohesió que aquest prenia.

Així, a la vegada que parem atenció en el cos de la model ho fem sobre el nostre propi, accedint a través d'ell a una part de la nostra psicologia i aconseguint de realitzar no un treball simple de còpia, sinó d'enteniment, de concepte, de comprensió.

Posar i treure, treure i posar, construïr, aplanar, allisar, arrugar... treballar amb el fang mentres treballem amb el propi ésser.

L'escultura i Jassans

Jassans portava a terme la seva convicció de que modelar era quelcom més que copiar una forma de la realitat. En l'escultura hi posava el seu ésser, el seu intel.lecte, la seva búsqueda infinita de perfecció, de sublim aconseguit en la realització de l'obra d'art, que per ell és aquella que conté les essències trascendents de les coses, de les persones.

En la superació de tots els seus estils, Jassans trobava en l'escultura el coneixement de si mateix, buscant en la forma clàssica de l'Antiga Grècia, en la que confiava superaria totes les èpoques i sobreviuria al pas del temps.

Concepte de Bellesa

El judici del gust no és, doncs, un judici de coneixent. No parlo per tant, d’una definició lògica, sinó estètica. Per tant tota base en la que pugui assentar-se les meves paraules no poden ser res més que pura subjectivitat…

La Bellesa ha brotat d’allò lleig més aviat que al contrari. La bellesa no pot definir-se però tampoc podem renunciar al seu concepte: es tracta d’una antinòmia estricta.
La formació de la bellesa és un moment d’equilibri, que és constantment destruït, ja que la bellesa no pot retenir la identitat amb ella mateixa, sinó que ha d’encarar-se a d’altres figures, que en aquest moment d’equilibri, se li oposaven. La bellesa irradia alguna cosa temible, semblant a aquella estructura de necessitats que es desprenen de la forma.

“També a causa de la bellesa, pot la pròpia bellesa deixar de ser-ho”

Sobre la imitación de la naturaleza

Cuando los gansos vuelan sobre el aguay se reflejan en el agua, los gansos no intentan proyectar su reflejo, y el agua no tiene intención de retener su imagen.

-Chuang-Tzu-

Jassans

Una vida dedicada a la búsqueda de la belleza... no puedo decir mucho más de Jassans, alguien que no tuve la suerte de conocer.

Supongo que si hubiera mantenido algún tipo de relación con él, por pequeña que fuera, todo ésto resultaría mucho más emotivo y mucho menos incómodo.

Qué decir de alguien tan cercano y lejano a la vez ...

Pude ver cómo modelaba en el acto de conmemoración de su muerte que tubo lugar en Pl.Universidad. Su técnica era minuciosa y sus movimientos precisos. Era realmente brillante.

Levantar materia

Siempre me ha sorprendido ese extraño instinto maternal que florece al crear algo.

En el caso de una pieza de barro, la relación creador-pieza tiene muchos paralelismos con la relación madre-hijo:

Sigues su proceso evolutivo ,

La sientes parte de tí,

Apaciguas su sed,

Le curas las heridas,

La tapas cuando va a dormir,

Sufres por si le habrá pasado algo,

La proteges,

La valoras y la aceptas con sus defectos y virtudes...

Bella imagen

"... Por primera vez te fuiste lejos del alboroto desesperado de la prisión, que era tu destierro, y una muchacha llamada Clara fue tu reino perdido y recobrado: ella venía viniendo, descalza, desnuda: la ciudad estaba acostada boca arriba y ella le anadaba por el pecho con pasos secretos ..."

Eduardo Galeano, "La canción de nosotros"

El arte de modelar

Siempre he tenido la sensación que todo tenía que ver mucho con el dibujo, y que si existían dificultades dibujando, estas enseguida se propagaban al resto de disciplinas. Por este motivo, siempre he dedicado una especial atención al dibujo y soy, junto con otros compañeros de bellas artes, de los que ha ido alternando la facultad con las sesiones de dibujo en el Sant Lluc, ese sitio, un poco carca y muchas veces algo depresivo, pero que sin duda ha sido favorable, para entender la construcción de la figura humana. Modelando siempre he tenido la sensación de estar dibujando, pero claro al trabajar en volumen, todo se ve y nada puede esconderse. Cuando uno dibuja, aunque es cierto que es esencial tener en cuenta lo que no se ve, uno tiende a concentrarse en su plano de visión. En escultura, la visión debe ser necesariamente global, y la figura debe tener sentido y coherencia desde todos los ángulos posibles. Esto sin duda complica bastante la cosa. Una pierna puede parecer correcta desde su plano frontal, y al girar la pieza, esa misma pierna puede parecer un churro. Muchas veces modelando, uno tiene la sensación de entender, de comprender lo que ve, como cuando se dibuja...pero claro al coger el barro y pretender retener y construir eso, no resulta tan fácil y frecuentemente la torpeza acaba por diluirlo todo.